À l'heure des synergies régionales, la Tosca présentée par l'Opéra de Rouen réunit les forces normandes. Réglé par David Bobée, directeur du CDN Normandie-Rouen depuis 2013, le spectacle est le premier projet à bénéficier du soutien de la Plateforme Normandie Lyrique et Symphonique, portée conjointement par la région et l’État, qui rassemble les théâtres lyriques de Rouen et Caen et l'Orchestre Régional de Normandie. Si le drame de Puccini, adaptant une pièce de Victorien Sardou, privilégie un certain premier degré réaliste, aux accents proches du vérisme, le metteur en scène français ne se contraint pas à la reconstitution des guerres napoléoniennes qui agite la Rome du début du dix-neuvième siècle du livret.

Conçue avec Aurélie Lemaignen, la scénographie épurée, rehaussée par les lumières de Stéphane Babi-Aubert, inscrit l'intrigue dans les arcades d'un temple antique mué en église que l'on jurerait sécularisée. Le bureau du Palais Farnèse est un module de marbre blanc qui s'avance du fond du plateau avant de retrouver le lieu cultuel en ruine au dernier acte, en une évocation sans doute parente de la fin de la Seconde Guerre Mondiale et du film de Rosselini, Rome ville ouverte et Allemagne année zéro (a fortiori avec le jeune berger de Puccini ici habilement transposé en enfant errant parmi les ruines). 

Exemple final du travail vidéographique de Wojtek Doroszuk, une icône cinématographique en noir et blanc s'évanouit dans l'abîme en même temps que Tosca. Les costumes dessinés par Sabine Siegwalt donnent aux sbires de Scarpia, tout en cuir noir, redingote et bottes, une allure totalitariste, tandis que le chœur d'enfants du premier acte devient une foule adulte à la solde du tyran, certes assumée avec une belle clarté de ligne par les effectifs d'accentus, préparés par Christophe Grapperon. Les quelques libertés avec la littéralité du texte concernent également les tableaux de Cavaradossi, des toiles de visages féminins noirs où le bleu des yeux de l'Attavanti se résume à une coulée azur sur des tableaux ressemblant à des négatifs photographiques, qui finiront en autodafé sous la férule de Scarpia, ou encore une direction d'acteurs qui jette l'héroïne sous les lèvres de son bourreau avant de le tuer, ou la fait saisir par les forces de l'ordre avant qu'elle ne s'échappe. Subordonnée aux luttes morales de notre époque, la crédibilité du texte et du drame est parfois quelque peu sacrifiée.

Dans le rôle-titre, Latonia Moore affirme un engagement saisissant. Le corps charnu de la voix, aux ressources expressives évidentes, ne rend pas nécessaires les effets de poitrine auxquels la soprano américaine recourt pour scander et dramatiser sa confrontation avec Scarpia. L'émission se révèle énergique, et l'aigu ne manque ni d'éclat, ni de couleur. 

En Cavaradossi, Andrea Carè séduit au premier acte, avec une vaillance pondérée par le sentiment, qui favorise un chant attentif aux affects, sans verser dans l'exhibition. La méforme du ténor italien s'entend néanmoins rapidement, et, si l'intégrité de la musique n'est pas altérée, la fatigue perceptible limite le souffle du lyrisme à de louables intentions. 

Scarpia qui a troqué l'animalité sanguinaire pour une cruauté plus lisse, et conforme aux préventions contemporaines, Kostas Smoriginas dévoile une constance dans la ligne et la puissance qui présente l'avantage d'épargner les effets vulgaires dans lesquels baignent nombre d'incarnations de ce sordide personnage.

L'Angelotti de Jean-Fernand Setti équilibre la vulnérabilité et la solidité vocale, même si le timbre semble quelque peu monochrome. Camille Tresmontant ne démérite aucunement en Spoletta à la diction lisible, quand Sciarrone revient à un Antoine Foulon robuste, qui ne dépare pas avec l'emploi. Autre baryton-basse, Laurent Kubla contraste par un jeu plus proche du théâtre, sans négliger un matériau consistant, et sait tirer parti du potentiel des répliques du sacristain. L'intervention du geôlier à Saint-Ange est dévolue à Vincent Eveno, et le babil du berger, confié, selon les représentations, à Armand Brunet et Martin Guyot Fima, vaut d'abord pour l’atmosphère. Enfin, dans la fosse, Elvind Gullberg-Jensen fait respirer les textures et les intonations variées d'une partition qui ne se réduit pas à l'écrasement dramatique : l'une des plus grandes satisfactions d'un spectacle qui aurait gagné en efficacité cinématographique sans deux entractes passablement longs au regard des mineurs changements de plateau. Le Théâtre des Arts et le public normand rendent justice à la musique de Puccini.