Werther, du roman à l'opéra

Opéra emblématique de l'œuvre de Massenet, le mystère qui entoure Werther ne se limite pas qu'à la création difficile de l'opéra, mais touche également sa genèse. Les véritables raisons qui ont motivé Massenet à écrire un opéra sur un roman allemand publié plus d'un siècle auparavant restent obscures, puisque le récit du compositeur dans son autobiographie intitulée Mes Souvenirs n'est pas sans quelques incohérences. Il affirme en effet avoir commencé à travaillé à cet opéra en 1886, après que l’éditeur Georges Hartmann lui eu suggéré ce thème, alors même que les premières esquisses de Werther datent de 1880, et que ses premiers travaux sur la partition date de 1885.

Le passage du roman à l'opéra provoque également une certaine curiosité : alors que le roman est à l'origine du courant romantique (publié en 1774, il marqua nombre de générations entre la fin du XVIIIe siècle et durant tout le XIXe siècle), l’opéra a été composé à la fin du siècle romantique, avec une esthétique marquant son apogée dans le domaine musical. Le Werther de Massenet exalte les grands thèmes du romantisme tels que la douleur amoureuse, la condamnation à l'errance ou encore la salvation dans la mort, qui trouvent leur expression dans l'air de Werther « Lorsque l'enfant revient d'un voyage » (acte II), dont les modulations ainsi que le crescendo orchestral sont l'aboutissement de cette esthétique. Autre grand thème romantique par excellence : celui de la Nature, qui est tantôt paysage apaisant pour Werther dans son invocation à la Nature (« Je ne sais si je veille », acte I), tantôt reflet de l'âme tourmentée du poète dans le Lied d'Ossian (« Pourquoi me réveiller », acte III).

Les librettistes Édouard Blau et Paul Milliet ont néanmoins dû adapter la dramaturgie afin de transposer les échanges épistolaires du roman en un livret destiné à la scène lyrique. Outre la condensation extrême du temps du roman d'origine, l'opéra de Massenet modifie considérablement les personnages et leurs relations, en particulier pour Charlotte. Chez Goethe, son rôle est relégué à un plan plus secondaire car le portrait psychologique est essentiellement centré sur le héros. D'autre part, Charlotte choisit délibérément de se marier avec Albert, contrairement à la promesse faite à sa mère sur son lit de mort dans l'opéra. L'opéra de Massenet propose ainsi une toute autre héroïne, partagée entre ses devoirs familiaux et conjugaux et l'ardeur de ses sentiments pour Werther. C'est notamment à partir du troisième acte, avec l'air des lettres (« Werther ! Qui m'aurait dit ? Ces lettres ! »), puis son duo avec Sophie (« Va, laisse couler mes larmes ») que l'évolution psychologique de la jeune femme se fait sentir, lui conférant ainsi un rôle aussi important que le héros éponyme. Enfin, c'est au cours du deuxième tableau de l'acte IV que la jeune femme confie enfin à Werther son amour, ultime scène qui fait basculer la mort de Werther d'un suicide solitaire dans le roman d'origine en un duo d'amour passionné.

Le rôle de l'orchestre dans Werther

Sur l'ensemble de l'opéra, l'écriture vocale oscille entre l'air et le récitatif, les moments lyriques dévolus aux « airs » des personnages étant assez rares. Massenet a même recours à une écriture proche du parlé à deux reprises : la première fois, lorsque le Bailli annonce le retour d'Albert à Charlotte (fin de l'acte I), et la seconde fois lorsqu'Albert rentre chez lui et découvre sa femme dans un trouble extrême (fin de l'acte III). Le compositeur préfère ainsi adopter une écriture arioso (entre le récitatif et l’air) au profit de la continuité dramatique et musicale. Celle-ci est assurée par des motifs confiés à l'orchestre et symbolisant à la fois les personnages principaux et secondaires, mais également leurs sentiments (l'amour passionné, les regrets de Charlotte, etc), et font office de ressorts dramatiques essentiels : bien plus que le livret, c'est l'orchestre qui prend en charge la puissance de la passion qui est au cœur de l'opéra.

Le cœur de l'opéra réside également dans le génie orchestral de Massenet, qui adopte tantôt une écriture chambriste et tantôt un tutti symphonique flamboyant. Les scènes intimistes sont mises en valeur par la division du pupitre des cordes allégeant la texture orchestrale, et surtout par l'abondance des lignes solistes des bois – l'orchestre de Werther est d'ailleurs écrit pour un effectif réduit de bois par deux (alors qu’ils sont plus souvent par quatre à l’époque de Massenet). Parmi les timbres que Massenet emploie, ceux du cor anglais et du saxophone alto (particulièrement mis en avant dans l'air des larmes de Charlotte au troisième acte) sont privilégiés pour figurer la mélancolie et la déploration des personnages. Fait plus exceptionnel encore, l'opéra ne contient aucun chœur, si ce n'est le cantique de Noël entonné par les six enfants du Bailli au début et à la fin de l'opéra. À l'inverse, Massenet opte pour une orchestration plus massive et des tensions harmoniques plus importantes pour figurer la violence des sentiments des personnages (passion de Werther, mais surtout l'issue irréductible de cet amour). À cet égard, le prélude de l'opéra qui réapparaît au début de l'acte III ainsi que la Nuit de Noël (premier tableau de l'acte IV) constituent deux exemples les plus prégnants de cette orchestration tantôt puissante et solennelle, amplifiée par les cuivres, tantôt ténue et intimiste.